本帖最后由 shijin2002 于 2014-1-28 09:56 编辑
《Random Access Memories》（下称《RAM》）是有史以来制作最精良、投资最浩大、制作最耗时的专辑之一，有望成为年度最畅销专辑，并向当今音乐行业的观念发起了挑战，这是“对当今单曲销售模式的全面战争”：先发专辑，再上 iTunes。Daft Punk 还拒绝为新专辑巡回宣传，他们希望让专辑自己宣传自己。《RAM》的制作亦引起强烈反响。主流媒体罕见地给一张专辑做出制作方面的评价：“细节处理令人难以置信，不惜血本”、“听起来得花上百万美刀！”...而 Daft Punk 成员 Thomas 接受采访，说专辑的制作费用远不止百万——在整个行业吝啬于对专辑进行投资时，这张不惜成本、历时五年完成的专辑，值得音乐行业思考。
Analog 之旅
《Homework》 (1997) 和《Discovery》 (2001) 的成功，让 Daft Punk 成为电子舞曲的指明灯，这次他们改玩怀旧慢歌，七八十年代的慢歌“代表了录音技术的巅峰”，他们批评在电脑上创作——“那根本不是乐器”。《RAM》回归到七八十年代的录音方式，这意味着庞大的录音预算、雇用最顶尖的乐手、还要租用全套模拟设备的顶级大棚，这么做是为了“让专辑在将来能成为音色的典范”。这并不是两个中年法国音乐人拍脑门的决定，Daft Punk 抱怨当今的电子乐是 “科技的盛宴”，而《RAM》的制作参考了很多历史上的传奇专辑，像《加州旅馆》、《月之暗面》、封面背景参考 Michael Jackson《Thriller》、专辑第一首歌名是《Give Life Back To Music》，正是阐述了专辑的使命。在大家都认为数字技术完胜的时候，很难理解《RAM》会花这么大一笔钱、花这么多时间去酝酿。Daft Punk 御用录音师 Peter Franco 说，要捕捉到乐团的声音和情感，唯一的方法就是回到模拟时代。Franco 与 Daft Punk 首次合作是 2006-2007 的巡回演唱会，他也因制作这张现场专辑《Alive 2007》获得格莱美最佳电子乐专辑奖。他认为“模拟设备不仅形象生动，即便听不出不同，却能感觉到它们，音乐不外乎就是感觉。Daft Punk 始终留意着数字技术的利弊，在演唱会上力图摆脱数字，现场扩声需要经过多次DA数模与AD模数转换，你听到音箱里的声音，至少已经过 3-4 次转换，多少有音质损耗。在新专辑中，要弄明白什么是“模拟”，是一条漫长的道路。”
图：Peter Franco 在 2006~2007 年与 Daft Punk 合作的巡回演唱会。
磁带实验
2008年《RAM》开工，Daft Punk 本应延续以前的模式——《Human After All》（2005）仅用六周进行制作。由于2006-2007年巡回演唱会颠覆了整一代美国音乐人对电子舞曲的看法，他们开始对新专辑有了不同的想法，他们在洛杉矶租下了 Henson Studios（前身是著名的 A&M），然后请 Franco 来做“实验”。Franco 回忆：“我们做了很多测试，将 Pro Tools 录好的素材以不同电平转录到磁带，再将磁带的素材转录回 Pro Tools。接下来用磁带直录相同的素材，然后转录到 Pro Tools。相比较我们更喜欢用磁带直录，然后转到 Pro Tools。”“追寻‘Analog’不仅为了追寻逝去的声音，还为了得到最好的音质。一开始我们就想尽量模拟化，Thomas 和 Guy-Man 也不想用任何插件。我完全支持——插件只是在努力模仿硬件，和真正的硬件还有差距——尤其是数字压缩。现在所有人都用同样的插件来做音乐，我们要跳出这种模式。”“测试之后，我们录了一些想法，而且同时用模拟和数字方式来录音（对比音质），我们想让唱片听起来与众不同，就像在现场为大家演奏一样。工程开始时用到一堆键盘，像 Prophet 5、Jupiter 6、Juno 106 和 Yamaha CS80。Daft Punk 是设备达人，他们风趣幽默，创作时非常随意，让人惊讶的是，大部分主旋律是在最后阶段才完成的。”
图：制作人 Todd Edwards 为《Fragments Of Time》贡献歌词与人声。他所描述：“他们让我在专辑里唱歌，诡异的是，我一到棚里，他们就让我开始录了！他们对专辑的整体把握让我印象深刻，虽说自己也是小有名气的制作人，可看到他们制作的过程之后，我觉得还有很多地方需要学习！”
《创战纪》的影响
准备工作完成后，Daft Punk 参与了一个耗时两年的项目：为迪士尼《创战纪》创作原声（全美专辑榜 No.4，格莱美影视配乐提名）。除了合成器，他们动用了整个交响乐团，并认识到现场演奏的好处，这个经验让他们对新专辑的目标更为清晰。同时他们也物色到了顶级的乐手，这些乐手均参与过七八十年代经典专辑的录制，现场演奏能带来“无限的微妙变化，是机器无法比拟的”。Franco 评价说：“这两年让他们更了解自己想要什么。Guy-Man 和 Thomas 从巴黎带来了模块化合成器、以及一些由 Modcan 等知名工程师量身打造的小模块。大部分合成声音都是模块化合成，包括鼓，例如《Doing’It Right》。我看着那些复杂的信号跳线，听到他们调出的声音，叹为观止。相比起来，他们在2008年用的那些合成器实在太简单了。”
图：Daft Punk 在《RAM》中用到的模块化合成器
自由的节奏
下一阶段在 Conway Studios 展开，他们请来了地球最牛掰的录音乐手：贝司手 Nathan East 和 James Genus、鼓手 Omar Hakim 和 John Robertson、键盘手 Chris Caswell 负责专辑的管弦配乐和编曲。录音师 Mick Guzauski——Daft Punk 所参考的许多怀旧专辑，Guzauski 都有参与制作，包括 Michael Jackson、Quincy Jones、Eric Clapton、BB King、Michael Bolton...“Thomas 和 Guy-Man 对音色有明确的想法”，Guzauski 回忆，“他们想要复古的、模拟的、流畅的、却又现代的声音。他们不想让我用任何插件，让我同时进行模拟和数字录音。他们带了歌曲小样、自己的模块合成器、以及几个很旧的复音模拟合成器。在录音阶段，Thomas 和 Guy-Man 让乐手自由地即兴创作，我们录了很多即兴的片段，然后挑选满意的，组成完整的作品！”“最初的小样都零零碎碎，只有两三轨”，Franco 说，“我们关心的是营造出了什么气氛、写了什么和弦，然后 Guy-Man 和 Thomas 跟我们交流，乐手也出来，然后再进棚、再演奏。我们确保乐手完全自由、全身心投入到演奏中。这些乐手都演奏过许多经典曲目，为他们录音就是一场听觉盛宴。磁带的录音会以 96kHz 导入 Pro Tools，我们花很长时间对比磁带与 DAW 直录的素材，选出更好的拿去编辑。”
图：Conway Studios 与 Neve 88R
录制过程
Conway Studio C 配备一台 Neve 88R，配上由12路 Neve 1081与12路定制 Air Montserrat 组成的24路远程话放。对《RAM》来说，大部分时间和精力都投入到——得到 Daft Punk 想要的音色。“录音非常严格”，Franco 说，“拿鼓来说，我们花了不少时间让它听起来是‘对’的，军鼓非常重要，很多70年代末期 disco 专辑的军鼓都很轻柔。”Guzauski 补充，“挑选合适的话筒、合适的话放、恰当的摆位，大致就能做到，混音只加一点 EQ，尽可能让声音保持自然。传统的制作就是这样，EQ只是稍作修饰，不是大幅度修改。话放的选择稍有不同：底鼓和军鼓用的 API，用它录的声音很漂亮、有力；吊顶话筒和通鼓用的 Neve，听起来更轻快。多数情况下，Daft Punk 想尽量减少房间声，就像70年代的鼓声——在全被吸音棉覆盖的棚里录制的声音，高频段听起来很死那种（高频被吸掉）。我们最后还是有拾取一些房间声，让声音听起来更具现代感。”“话筒方面，光底鼓就4只话筒：AKG D112、Sony C500、Neumann U47、还有一个 Subkick，这样我们可以从不同的角度来混底鼓——D112 的低频漂亮、结实，中频富有冲击力；C500 有着特色鲜明的高频，相当紧实的低频，能够拾取更多鼓锤；U47 的低频更多一些，冲击力稍显薄弱；如果想要得到更低的频率，就要使用 Subkick。需要什么音色就调整四只话筒的比例，不用依赖 EQ，这是我第一次在底鼓上用这么多话筒”。“军鼓用的 **e SM57，军鼓里面用的是 AKG C451。通鼓用的 Sennheiser 421，吊顶用的 Schoeps CM5U。Room Mic 其实可有可无，不过还是拿了 U67 以防万一。通鼓与吊顶话筒搭配 Neve 88R 的远程话放，用 Neve 1081 和 Teletronix LA2A 做 DI 录制 Bass。Chris 的键盘也是 DI，不过 Fender Rhodes 用的 U87。钢琴在琴锤上放了两支 DPA，在后面琴弦的地方用了一支 U67。”“磁带机是 Studer A827，用 ATR 磁带与杜比SR降噪，SR降噪出现在80年代，能够稍微削弱大瞬态，同时会让低频变多，这种模拟的特点就是我们想要的。数字设备包括 Guy-Man 和 Thomas 御用的 Lynx Aurora 模数转换与 Antelope 的时钟。磁带通过 SMPTE 来录制，所以和 Pro Tools 保持同速。录完后，我们把相同的磁带素材转制到同期的 Pro Tools，我们在每一阶段都能得到同一个素材的两种版本。我们没法把模拟素材保存在模拟设备中，需要把它们转到电脑中才能进行编辑。” 
图：Henson 录音棚工作照：Mick Guzauski、Peter Franco 和键盘手 Chris（右后）
全球协作
接下来的一年半，专辑的录制在全球三地同时进行，Guzauski 在洛杉矶与纽约辗转，剩余的录制转战到巴黎的 Gang Recording Studio，由 Florian Lagatta 操刀。而 Daft Punk 也在巴黎的个人工作室里，录制了大部分经声码器处理的人声。Guzauski 说到，“在 Conway Studios 的录完之后，我们转战到60年历史的 Capitol Studios 录制管弦，几个月后，我又去了洛杉矶的 Henson 录音棚录 Paul Jackson 和 Greg Leisz 的吉他。后来在 Conway 录了更多贝司和鼓。有一位名叫 Quinn 的打击乐手，他带了自制的套鼓，这组鼓发出的声音绝对独一无二的，所有东西全都是DIY的，听起来绝了。”“录制管弦在 Capitol 的A棚和B棚，那儿有一面可移动的墙。我们在A棚放了25人的弦乐组，用三支 Neumann M50 以“Decca Tree”方式进行拾音，A棚还有打击乐和定音鼓，B棚有铜管组和木管组。录制弦乐的时候，要么和隔壁棚的铜管组一起录，要么和木管组一起录，但在A棚录打击乐的时候，就不牵扯到木管或铜管组，所以四种管弦乐器是独立并相互联系的。”“吉他音箱用了 SM57、Royer 121 和 U87，然后仔细对比录音，决定用哪个。Room Mic 是 U67、话放是 Neve 1073，某些情况下，我们也用 DI，用哪种方式取决于这是什么歌。我们用 Schoeps CM5U 配 Neve 1073 录木吉他，用 U87、1073 和 UA 1176 录滑棒吉他。在人声上，我给 Todd Edwards 用了 U47，给 Paul Williams 用了 U67，两支话筒都搭配 Neve 1073 和 LA2A。”
图：Conway Studio C棚的收音室
留下或删除
所有通过模拟和数字方式录制的音轨——尤其是管弦，都要成对导入 Pro Tools。Daft Punk 还加入了很多合成器音轨，所以工程庞大。Paul Williams 演唱的《Touch》大致有250轨，这都得在 Pro Tools 里编辑，但团队使用的是只能跑96轨（96KHz）的 HD3，因此得做取舍：该音轨用模拟轨还是数字轨？还是两个版本都删除？ “模拟的和数字的版本很相似，仔细听还是不同”，Guzauski 解释。“数字版本听起来清脆，瞬态好，但很多情况下，我们要的是模拟版本的慵懒声。”Franco 说：“选择标准是盲听，多数情况下会选模拟，磁带的音染听起来更甜美，但有时也需要数字的冲击感。有件事得知道，2008年我们做实验的时候，还在用 UA 2192 做模数转换（已停产），听感不错，只是音染重；2010年末时我们开始使用 Lynx Aurora 16，音染低，声音干净多了；在终混的时候，我们用的是新上市的 Pro Tools HDX，数字设备发展得很迅猛。
图：Peter Franco (左)和 Mick Guzauski 在 Henson Studios。
混音
2012年夏天 Guzauski 接到电话：录音完成，开始混音。混音还是在康威，历时2个月。“通常混音前要做一些‘预热’”，Guzauski 说：“但他们带来了编辑完美的 Pro Tools 工程，音轨组织有序、一目了然。Dan Lerner 和 Peter Franco 都已经编辑完了，我只需做纯粹的混音！”“混音花了一些时间，Daft Punk 先听我混，我再调整，他们还可能在旁边的房间里用另一套 Pro Tools 再编辑下，然后我再调整。虽然 Neve 88R 也可以用 Automation 做混音，但我只用 88R 的模拟部分，否则难以撤销操作。唯一用到的软插件是 UAD 的嘶声消除器，录音不可能精确到没有嘶声。除此之外，用的都是调音台自带的EQ和压缩、以及机架式硬件。监听是 Guzauski-Swist GS-3a，由我和 Larry Swist 一起开发的。Daft Punk 非常喜欢，也买了一对儿。”“底鼓和军鼓采用平行（Parallel）压缩，用 LA2A 或1176，整个鼓组用 API 2500 做平行压缩，也有时候用的 Chandler EMI Zener。《Touch》有很大一部分都用的是 Zener，还用了一些调音台自带的EQ和压缩。混响大多数是 EMT 140，偶尔用 EMT 250，这款声音比较现代。贝司上什么都没用，只在调音台上稍微突出一点中频。动态的控制主要靠调音台，硬件压缩器只是当效果器用。” “吉他没花什么功夫，用调音台在 5KHz 做了点提升，然后就完事儿了，我们用不同的话筒录吉他，如果想要不同的效果，换成另一支话筒的音轨即可，键盘和合成器上也是如此。管弦上用的混响是 EMT 140，但我在 Capitol Studios 录下了现场的混响，可以增加自然的现场感。” “我很关注人声，通常会加一点高频，让人声突出，同时在 3-4kHz 附近切一个很窄的频段，因人而异。另外还有 dbx 902 或 UAD 的嘶声消除器，这样就能在去除嘶声的同时加亮人声。人声上我常用 LA2A，有时候用 EMT 140，同时使用 Lexicon PCM42 或 Eventide H3000 延时。” “Daft Punk 用声码器处理了不少“机器人声”，他们想让这声音听起来像人，尽可能富有感情。这就需要稍多的压缩和调音台EQ。声码器会让有些频率非常突兀。所以有相当多段的参量均衡是在GML EQ上做的。用在他们声音上的压缩器是1176。”
图：经典的 Neve 33609 压缩器
“混音无非就是让声部之间的关系明确。我们做了大量实验，很好玩。例如给 Master 加了一对儿老式晶体管均衡器，然后再接个 Avalon EQ 让声音听起来更干净，最后再加一个总线压缩，大多数情况下是 Neve 33609，我们尽量选用不同的硬件去完成不同的歌。有时候接一台设备却不做任何操作，只是为了得到它变压器或是放大器的染色。”“压缩器我们挑选了很久，像 1176、 LA2A 和 Neve 33609，进行同一型号的比较（不同年份与批次的声音不同）。Daft Punk 还带来了老款但“打磨”过的 33609，听起来确实不一样，他们砸了很多钱，把这压缩器买了，没人不爱这玩意儿啊！这就是玩模拟设备乐趣——每一台设备都听起来稍有不同。” 图：Mick Guzauski 与自己研发的监听音箱：Guzauski-Swist GS-3a（主页），配备12寸低音、3寸ATC球顶中音、3分频、全封闭低音腔、独立的 3700W Class-D 功放。
Mick 住在纽约城东40英里，拥有自己的私人录音棚 Barking Doctor。棚里有一堆顶级硬件：Sony Oxford、Eventide、GML、AMS 和 EMT，但大部分工作都在电脑上完成。他在《RAM》的经历会不会让他重新回到模拟的工作方式？“不能完全做到。现在电脑上的声音听起来也不错，但更关键的是工作量。我有时一天同时混 3-4 首歌，撤销操作太重要了！”另外“Pro Tools 开始变得好听，UAD 也是，但我还是使用硬件混响，还没找到能替代 Eventide 2016 或者 AMS RMX16 的插件。”
多种母盘混音结束后，专辑送到著名母带师 Bob Ludwig 手中。这一部分对声音的改变不大，但下的功夫依然令人咋舌。Guzauski 说，“我们要挑选3种方式的磁带机音色，一台是15英寸/秒的转速，另外两台是30英寸/秒的转速。三台都是 Ampex 102，带有专门定制的 Aria 元件。在一些歌上，我们喜欢15英寸/秒的版本，听起来磁化程度更高、瞬态更柔和。但大多数歌曲是来自30英寸/秒的版本，两个版本都是原厂 Ampex，区别是一个用 Flux 磁头，另一个是原厂磁头。”“三台设备的声音非常接近，可 Thomas 确实是发烧友，能听出来不同。他和 Guy-Man 一丝不苟地校对这些设备、每天检查并重置设备、给每一卷磁带的录音对齐，还用精度分析仪来优化偏磁、校验失真。磁带用的 ATR，然后用一台八轨 Sonoma DSD 录下来仔细盲听对比，因为反复播放磁带可能会掉磁。我喜欢 DSD 的声音，仔细听的话比 Pro Tools 好听，虽然没有完美的透亮感，可我就喜欢。”在整个混音与母带阶段，Daft Punk 始终强调一点：他们对响度一点儿都不感兴趣，Guzauski 说：“如果开始变响，他们就会让我拉推子。”
图：传说中的母带师 Bob Ludwig，9次TEC最佳母带工程师、3次格莱美、2次拉丁格莱美、1次奥斯卡（影视混音杰出贡献奖）。
在路上
母带工作由 Bob Ludwig 以磁带的形式在波特兰和缅因州完成，还有一些母带是 Antoine Chabert 在法国 Translab Studio 完成。投入了如此多时间和精力，已无法用“百万美金”来衡量，Daft Punk 对最终母带如视珍宝，取回母带都是从洛杉矶开车回东海岸，“不想让任何人摸一下这些母带，这是唯一办法”，Franco 解释，“这样母盘就不用被雷达和金属探测器什么的辐射到，我们倾注了太多心血，就好像是亲生孩子，绝不能交给快递公司！”“走到这一步很不容易，但一路下来也很开心，没有理由失落或者害怕市场不接受，我们所有的付出都是对的，每位参与者都认可制作理念。那时候，我们和好多牛人整天泡在棚里，感觉像参加夏令营一样，这是一次神奇的经历，这些快乐也能从我们的音乐中听出来。”Daft Punk 的独特视角、投入的时间、金钱和精力，都是这张专辑必将不朽的原因，他们让专辑听起来充满了“人味”。
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